La última presentación de los Beatles (+Video)

Los 25 mil fans que asistieron al parque Candlestick en San Francisco aquel 29 de agosto de 1966 no tenían idea de que por aquellos cinco dólares que habían pagado por la entrada, sería los privilegiados en ver la última presentación de la banda más grande de la historia.

No fue anunciado como un concierto de despedida y quizás les faltó pomposidad. Era la cuarta gira por Estados Unidos, y a pesar de que ellos sí sabían que se trataba del fin, los seguidores de John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison no imaginaban que los verían estar por última vez juntos sobre un escenario.

Los Beatles comenzaron con el tema “Rock And Roll Music” de Chuck Berry y 33 minutos después dieron por finalizada la presentación tras una versión propia de “Long Tall Sally” de Little Richard.

Once temas interpretaron aquel día, entre ellos “Yesterday” y “I Feel Fine”, antes de despachar a los fans en el estadio californiano. No hubo contacto directo con las histéricas adolescentes, eso ya lo habían negociado con el promotor de la gira. Con una limusina blindada, los Cuatro Fabulosos fueron trasladados de inmediato del escenario al aeropuerto.

“Podíamos reconocer las canciones pero no se comprendían los textos”, recuerda Paul August de Oakland. “Sólo se escuchaban los gritos de las seguidoras. Era una histeria total”, agrega al diario San Francisco Chronicle.

“Yo presentí que ahí se terminaba todo. Así no podíamos salir nuevamente de gira”, revelaría tiempo después George Harrison en una entrevista. “Yo sólo pensé que era una liberación no tener que seguir con esa locura”, señaló el músico, quien falleció en 2001.

La última gira mundial de los Beatles no había comenzado con buenos augurios. En julio, en las Filipinas se registraron serios tumultos después de que la banda rechazara una invitación a ese país de la presidenta Imelda Marcos. Mientras, en Estados Unidos, John Lennon enojó a fans y críticos con su comentario de que los Beatles eran más conocidos que Jesús. El “affaire Jesús” provocó la quema de discos de vinilos y amenazas de muerte a los músicos.

Los Beatles sabían que la presentación en San Francisco iba ser la última, insinuaron después los críticos. McCartney grabó el concierto y Lennon sacó fotos sobre el escenario de aquel momento histórico.

Al regresar a Gran Bretaña, los cuatro se encerraron en su estudio de grabación. En su libro “Summer of Love”, el productor de la banda George Martin cuenta que los músicos se preguntaron: “Por qué no hacemos un álbum que parezca un show y lo mandamos de gira, en vez de ir nosotros”. Así, la “Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band” debía ser el doble de los Beatles. En junio de 1967 salió el disco a la venta y enseguida se convirtió en un hit.


http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=vsnM4EmV8HI

Murió Nicolás "Pipo" Mancera

El histórico conductor y productor televisivo falleció a los 80 años en su casa, víctima de un paro cardio respiratorio.

Nicolás “Pipo” Mancera falleció esta tarde en la ciudad de Buenos Aires a los 80 años, tras sufrir un paro cardio respiratorio en su domicilio.

El conductor, uno de los próceres indiscutidos de la televisión argentina, comenzó su carrera a principios de la década de 1960 y como periodista cinematográfico en el programa de TV "Pantalla gigante". Entre los programas que condujo o produjo estuvo el musical La noche, la película La Calesita, de Hugo del Carril.

Su carrera de actor tuvo su inicio en El crack, de José A. Martínez Suárez, donde se escucha por radio un extenso comentario suyo.

Pero sin dudas el envío por el que pasó a la historia es Sábados Circulares, con el que quedó definido como el inventor de los programas ómnibus en la televisión local y que estuvo al aire entre 1962 y 1974 en El Trece. Entre sus entrevistados célebres de esa época estuvieron Marcello Mastroianni, Alain Delon, Sophia Loren,Maradona (fue el primero que logró entrevistarlo) o  Pelé, y allí cantaron Sandro, Serrat, Palito Ortega, Rafhael entre muchísimos otros.

Un hombre clave en la TVEn el año 2002, con motivo de los 40 años de Sábados circulares,La Voz del Interior habló con el célebre conductor.  En la nota, Pipo recordaba que el programa empezó con un par de personas que lo ayudaron en la producción y terminó con 20. Y sobre ese presente decía: "No haría televisión. Estoy muy metido en computación. Navego y guardo material. Mi único objetivo es pasarla bien".

También comentaba que la TV del momento le parecía "muy mala" y que disfrutaba de Televisión registrada, Todo por dos pesos y "algunas cosas de Suar".  Cerraba anticipando que estaba escribiendo su autobiografía. "Tengo editor, pero soy yo el que va lento", decía.

Como doncuctor, además de carisma y conocimiento del timing televisivo, Mancera hizo de todo: desde tirarse al Río de la Plata encadenado dentro de un cofre (en épocas de furor por Houdini) hasta ser uno de los primeros en hacer cámaras ocultas en la TV nacional.

Su relación con Córdoba
En 1999, cuando vino a recibir el premio Bamba de Oro, en otra nota con este diario, Mancera se refirió a su relación con la provincia de Córdoba. "Pasé mi infancia en la Hostería San Antonio de Valle Hermnoso, conocía la Avenida Edén y canté en la Confitería La Falda. Tenía 12 años aproximadamente y tal vez hice mi primer estudio periodístico yendo a conocer el Hotel Edén donde se decía que Hitler se quedaba todas las noches", explicó.

También dijo en la nota que, en 1973, durante una entrega de Premios Bamba, "un grupo de fascinerosos-políticos" intentó matarlo. "Un grupo de cordobeses me salvó llevándome por caminos completamente diferentes a los que yo conocía para voler a Buenos Aires", evocó. "Si aquel Bamba fue la posibilidad de la muerte, este es un regalo que ustedes me hacen con la posibilidad de la vida", decía. Por entonces, estaba por cumplir 70 años.

http://www.youtube.com/watch?v=UzMna14C0c0&feature=player_embedded

http://www.youtube.com/watch?v=pkiHagzbLWs&feature=player_embedded

Música: I´m only happy when it rains (+Video)

Shirley Ann Manson es una cantante de rock alternativo, vocalista de la banda Garbage.

Su primera experiencia musical fue con las bandas “Autumn 1904” y “Wild Indians”. Cuando tenía 16 años se unió al grupo “Goodbye Mr. Mackenzie” donde tocaba los teclados y hacía de segunda vocalista. En este grupo permaneció una década hasta la disolución del mismo en 1992. Después de ésta, Shirley, junto con 2 miembros del grupo, fundaron “Angelfish”, otro grupo en el que Shirley era la vocalista. Angelfish lanzó un disco con el mismo nombre y un solo single, 'Suffocate Me'.

Después de ver en MTV 'Suffocate Me', Butch Vig quedó impresionado y quiso que Shirley estuviera al frente de su grupo “Garbage”. Después de dos audiciones, Shirley se convirtió en la cantante líder del grupo en 1994.

Inmediatamente, Manson, se puso a reescribir las letras de las canciones que ya había compuesto la banda. El resultado de este esfuerzo colaborador fue Garbage, el álbum debut de la banda, que vendió 5 millones de copias en todo el mundo y consiguió dobles discos de platino en Reino Unido, EE.UU. y Australia. El disco contiene éxitos como: Queer, Vow, Stupid Girl y Only happy when it rains.

Shirley nació el 26 de agosto de 1966 en Edimburgo, Escocia, para celebrar sus 45 años ShowArte te trae este tema:
http://www.youtube.com/watch?v=esEdC0c3YI4&feature=player_embedded

¿Te gusta Kiss? Este video es para ti

Gene Simmons es un músico y actor israeli-estadounidense, bajista y vocalista principal junto a Paul Stanley de la clásica banda de hard rock KISS, en la cual ha co-producido la mayoría de álbumes publicados. Además sido doblador en varias series animadas y es el creador de la serie de animación My dad the rock star, en la cual satiriza su propia imagen, y de su propio reality show Family Jewels, donde muestra su vida hogareña.

Simmons nació el 25 de agosto de 1949, en Haifa, Israel bajo el nombre de Chaim Witz, y para conmemorar sus 62 años te traemos este clásico.


http://www.youtube.com/watch?v=CaQ0jrYW9MQ&feature=player_embedded

Homenajes y tributos para Sandro, a un año de su muerte

El primer aniversario del fallecimiento de Sandro se conmemorará hoy con homenajes y tributos en recuerdo del cantante ícono y leyenda del rock argentino y la música romántica latinoamericana que encantó a multitudes con temas como “Rosa Rosa”, “Dame fuego” y 
“Quiero llenarme de ti”. 

Sus “nenas”, como a Roberto Sánchez le gustaba llamar a sus fanáticas, mujeres que nunca dejaron de seguirlo, rendirle fidelidad y que todavía lo sienten presente, organizarán misas y reuniones para recordarlo en diferentes puntos del país. 

Peregrinarán hasta la puerta de su casa de Banfield, pero ya no para festejarle su cumpleaños, como solían hacer cada 19 de agosto, sino para homenajearlo, rezar o cantar sus canciones. 
También sus seguidores visitarán el sector Flores del Cementerio Privado Glorias de Burzaco, donde le dejarán flores y cartas. 

Serán generaciones de abuelas, madres e hijas, a las cuales no les importó el paso del tiempo, ni que aquel físico de junco lleno de sensualidad de principio de los 60 mutara en un hombre con panza y andar cadencioso en sus últimos shows. 

Pasó con la misma efectividad de los pantalones de cuero ajustados y desenfrenados movimientos pélvicos a la robe de chambre roja, que ocultaba los kilos de más. 
Nada de eso las detuvo y lás más osadas cumplían con el ritual de arrojarle al escenario alguna pieza de su ropa interior. 

Pero no solo fueron mujeres las que idolatraron al "Gitano", también ellos, esos hombres que trataron de imitar sus cortes de pelo, sus patillas o sus movimientos de pubis lo recordarán. 

Se lo vinculó con las mujeres más hermosas de la Argentina, pero preservó su vida intima entre las paredes de su mansión y solo se le conocieron relaciones con Tita Rouss, María Elena y María Martha Serra Lima. 

"Yo no tengo nada que ocultar y sí tengo mucho que proteger", respondió en 1995 Sandro, que se casó con Olga Garaventa en su casa en una ceremonia privada en abril de 2007, cuando lo consultaron sobre su vida amorosa. 

Fue uno de los padres del rock nacional (con Los de Fuego inauguró en 1963 La Cueva), pero logró su máxima popularidad con la balada romántica, a la cual le aportó poses y ritmos extraídos del rock and roll. 

Sandro de América enamoró a lo largo de 53 discos con temas como "Así", "Rosa Rosa", "Trigal", "Por qué te amo", "Penas", "Penumbras", "Dame fuego" y en 13 películas, siendo "Gitano", "Subí que te llevo" y "Quiero llenarme de ti" las más destacadas. 

Las presentaciones de Sandro, que con el pasar del tiempo fueron cada vez más espaciadas, eran una verdadera comunión con la platea ocupada por mujeres. 
En 1993 hizo 18 recitales en el Gran Rex, pero se superó a sí mismo en 1996 cuando encabezó 27 shows. 

Luego desbordó la sala de la calle Corrientes entre octubre de 1998 y febrero de 1999 cuando ofreció 37 fechas de su espectáculo "Gracias!", convocando 120.000 espectadores. 
Todo era color de rosa, hasta que el cigarrillo, ese asesino silencioso, comenzó a hacer mella en su salud. 

A fines de la década del 90 hizo pública su grave enfermedad y afirmó: "Esta enfermedad me la merezco, porque yo me la busqué, por ser un arrogante como todos los tipos que fuman". 
En 2002 debió someterse a un cateterismo y tres años después fue sometido a una cirugía de reducción pulmonar. 

El 20 de noviembre del 2009 finalmente llegó el trasplante cardiopulmonar que se realizó en el 
Hospital Italiano de Mendoza y que concluyó exitosamente, aunque luego se sucedieron graves inconvenientes. 

La noche del 4 de enero de 2010, más precisamente las 20.40, su cuerpo, aquel que supo soportar mil batallas, no aguantó una serie de complicaciones post operatorias y dijo basta a los 64 años. 

La vida del ídolo se consumía y sus fans que nunca quisieron entender que era de carne y hueso, rompían en llanto y sus aullidos de dolor no permitían escuchar el final del parte dado por el doctor Claudio Burgos en la puerta del Hospital Italiano de Mendoza. 

La noticia sacudió al país y recorrió el mundo, porque el "Gitano", ese pibe que a los 13 años había dejado la escuela para dedicarse a la música y ser como su ídolo Elvis Presley, había cruzado las fronteras hasta límites insospechados. 

El hijo de Vicente Sánchez e Irma Ocampo se había transformado en un gigante de la música que supo traspasar las fronteras con su voz y su encanto, tanto que fue el primer artista de Latinoamérica en llenar el Madison Square Garden de Nueva York. 

"Muere el Elvis argentino" señalaron en The Washington Post y The New York Times, en Estados Unidos. "Sandro, Argentine Rock Star dies" (Sandro, Muere la Estrella de Rock Argentina), comentó la BBC inglesa. 

La historia de Elvis, un blanco en la corte negra

Ha sido el único músico en la historia que ha vendido más de cien millones de discos. Sin embargo, su figura ha traspasado de largo los límites del Olimpo musical y se ha convertido en un ídolo, un mito, un modelo al que emular o vilipendiar, y que a nadie deja indiferente. Su legado sigue hoy en plena vigencia.

"Cuando trabajáis sois una flauta a través de cuyo corazón el murmullo de las horas se convierte en música". Elvis debió releer miles de veces este fragmento de El Profeta del libanés Khalil Gibran, su libro de cabecera durante gran parte de su vida. Posiblemente le acompañó desde 1954, cuando ganó sus primeros 12 dólares con la música, hasta aquel ya mítico 16 de agosto de 1977, en que apareció muerto en Graceland.

Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo (Misisipi) y a los trece años se mudó a Memphis con sus padres, Vernon y Gladys. Eran una familia de blancos en un mundo sureño, cuya banda sonora rezumaba gospel, blues y bluegrass, una música “de raza” que los blancos escuchaban tan sólo en la intimidad de sus hogares. A diario, Elvis se pegaba al transistor para no perderse ninguna emisión de las activas estaciones de radio locales como la WELO o la WHBQ. Y fue precisamente en uno de aquellos programas, donde el de Tupelo escuchó queSun Records grababa “lo que sea, donde sea y como sea”, por 4 dólares. Con la intención de regalarle a su madre un disco con su voz, Elvis se plantó en la discográfica un sábado de agosto de 1953. Todavía tuvo que volver en varias ocasiones hasta que logró atraer la atención del dueño de la Sun, Sam Phillips, que vislumbró en aquel chico inseguro y nervioso el blanco con voz negra que llevaba años buscando. El 5 de julio de 1954, Elvis dejaba aparcado el camión que conducía habitualmente como trabajo y grababa That’s all right mama, canción con la que arrasó en las emisoras de medio condado.

El joven comenzó entonces las primeras giras por Misisipi, donde el público quedaba fascinado con aquel sorprendente manierismo vocal. Sin embargo, no era sólo su voz la que impactaba. Aquel insolente veinteañero paliaba sus nervios moviéndose compulsivamente sobre el escenario, algo que hacía enloquecer al público femenino y despertaba las iras de los más conservadores, que veían en él a un depravado pervertidor de la juventud. En una época acostumbrada a la sobria elegancia de Sinatra, los gritos descontrolados se convirtieron en la respuesta habitual a la chulesca actitud del cantante: mascando chicle, movía sus caderas y piernas como nunca nadie se había atrevido a hacer sobre un escenario. “Chicas, os espero a todas en el camerino”, llegó a decir al final de un concierto; la policía tuvo que ayudarle a salir de una ducha en la que se había atrincherado, cuando las fans le arrancaron el traje, las botas y parte de su piel.

El último single con Sun Records, I forgot to remember forget subió hasta el Nº 1 de las listas nacionales, lo que atrajo la mirada de las grandes discográficas. Así, a finales de 1955 y asesorado por su nuevo manager, el Coronel Parker, Elvis firmaba un contrato millonario con la RCA. Para muchos, fue el momento en que el be-bop y el rockabilly del chico del tupé se vieron “intoxicados” de un exceso de pop facilón. Cuestión de opiniones, pero lo que es irrefutable es que la fórmula funcionaba: el rock & roll de Elvis se instaló durante años con naturalidad en los primeros puestos de las listas de éxitos con canciones como Heartbreak Hotel o I want you, I need you, I love you.

Tras cumplir el servicio militar (1958- 1960), pasó los años sesenta en Hollywood y los únicos discos de Elvis que vio el mercado fueron las bandas sonoras de las películas que rodaba. Los tiempos habían cambiado y se sentía un extraño rodeado de la psicodelia y aquella cultura hippie en la que su tupé no encontraba acomodo. Tras casarse con Priscilla Ann-Beaulieau (1968) recobró fuerzas y regresó a los escenarios con el especial de televisión Comeback Special. De nuevo encabezó las listas de éxitos conSuspicious mind o In the ghetto. Algunos multitudinarios conciertos en Las Vegas y un programa televisado vía satélite desde Hawai en 1973 fueron sus últimos hits musicales. En estos últimos años, su vida se había convertido ya en una macabra pantomima. Los desórdenes alimenticios, que le habían llevado a aumentar 50 kilos de peso, unidos a los cócteles de pastillas diarios, perjudicaban su voz y le impedían cantar como en sus inicios.

Lejos quedaba el muchacho que había emocionado a Sam Phillips en los años 50 y, así, una mala ronda de pastillas acabó con su vida el 16 de agosto de 1977. El rey había muerto. Larga vida al mito.

8 curiosidades sobre la fotografía "Día Mundial Fotografía"

El padre de la fotografía la bautizó inicialmente con el nombre de “heliografía”.
Niépce obtuvo las primeras fotografías exponiendo placas metálicas a la luz de sol. Por eso al procedimiento utilizado lo llamó heliografía, del griego helios (“sol”) y grafía (“escritura” o “dibujo”). El nombre definitivo de fotografía se lo debemos a Sir John F.W. Herschel, que acuñó el término en 1839.

El primer libro ilustrado con fotografías se titulaba Pencil of Nature (“El lápiz de la Naturaleza”).
Fue publicado en Londres entre 1844 y 1846, en seis entregas. Su autor, Henry Fox Talbot, anunciaba en sus páginas “el inicio de un nuevo arte” y mostraba sus potenciales aplicaciones en ciencia y tecnología.

La fotografía forense nació en 1866, fundada por el escocés Allan Pinkerton.
Pinkerton, que tras mudarse a Estados Unidos se convirtió en el primer detective de Chicago, puso en práctica la fotografía criminal para reconocer a los delincuentes, disciplina que posteriormente sería llamada fotografía judicial y a la que hoy se conoce como fotografía forense. Su objetivo es mostrar detalladamente aquello que escapa a la inspección ocular.

"Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto" fue el eslogan con el que se puso a la venta la primera cámara de fotos “popular”.
Se trataba de una cámara muy manejable, comercializada por la Eastman Kodak Company, que se vendía en 1888 cargada con un carrete de 100 fotos y lista para utilizar. Una vez usada se enviaba a la casa Kodak, que extraía el carrete, revelaba las fotos y las devolvía junto a la cámara nuevamente cargada. Con su llegada al mercado el uso de la fotografía se extendió a toda la población.

Los niños muestran un talento natural como fotógrafos.
Esa fue la conclusión de un estudio realizado en 2002 por la Universidad de Birmingham, Reino Unido. Los investigadores también comprobaron que el motivo escogido por los “fotógrafos infantiles” evoluciona con la edad. Así, los niños de cuatro años eligen fotografiar elementos emocionales, como sus padres, o imágenes visualmente estimulantes con colores brillantes. A partir de los once años se observa una tendencia a tomar las imágenes de espacios abiertos y naturales, buscando elementos “estéticamente atractivos”. Y al alcanzar la adolescencia, la fotografía se convierte en una actividad social más que les ayuda a relacionarse con los amigos.

El primer producto fotosensible que se utilizó fue el betún de Judea.
Este alquitrán natural, conocido desde la antigüedad, era obtenido originalmente de la superficie del Mar Muerto, donde emerge continuamente del fondo. En el siglo XIX se empezó a extraer también de las rocas bituminosas. Tradicionalmente se utilizaba para embalsamar las momias egipcias, para calafatear los barcos o para hacer nivelaciones en Babilonia. Y Joseph Niépce comprobó que entre sus múltiples propiedades también estaba la sensibilidad a la luz. En efecto, el betún endurece y se blanquea al recibir luz, aunque necesita muchas horas de exposición. Por eso la primera fotografía de la historia tuvo que permanecer expuesta al sol durante 8 horas.

Robert Capa fue el fotógrafo de guerra más famoso del siglo XX.Cuando estalló la Guerra Civil española se trasladó a nuestro país convirtiéndose en testigo directo de la contienda desde el lado republicano. Una de sus fotografías, “El soldado caído” (conocida también como “Muerte de un miliciano“), se convirtió en un icono de la contienda se hizo mundialmente famosa. En ella Capa logró recoger el momento preciso en que el miliciano Federico Borrell muere en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936, tiroteado por un francotirador.

Ver la fotografía de la persona amada reduce el dolor.
Explorando el cerebro de 15 voluntarios con ayuda de resonancia magnética, Arthur Aron, profesor de psicología en la Universidad de New York, ha demostrado que las áreas del cerebro activadas al ver la foto de tu pareja pueden reducir el dolor hasta en un 44%, tal como lo hace el paracetamol.

Lo que no sabías sobre Robert Redford

Charles Robert Redford Jr., es una de las figuras del cine más grandes que existe y –seguramente- el sex symbol por excelencia de tu mamá, tías y abuela. Redford cumple este 18 de agosto, 75 primaveras, manteniéndose activo como actor y director y consagrándose como uno de los mejores de su generación.


• Nació en Santa Mónica, California. Su madre, era ama de casa, y su padre lechero, de religión católica de origen irlandés.

• Se crió en el barrio hispano del oeste de Los Ángeles. En los años 50 su padre trabajó como contable en la Standard Oil y se trasladaron a un suburbio de clase media en el valle de San Fernando. A su madre se le diagnosticó un cáncer y fallecería años más tarde cuando Robert tenía 18 años.

• Atravesando una época de rebeldía y siendo aficionado a la pintura, Redford abandona los estudios en 1956 –después de morir su madre- y viaja a Italia y Francia para probar la vida bohemia de un artista.

• Un año después regresó a Estados Unidos y se inscribe para estudiar arte. Interesado en el diseño de escenarios se inscribe para estudiar actuación y conocer mejor el mundo del teatro. Es entonces cuando queda atrapado en este mundo.
• Su primer hijo, Scott, falleció por muerte súbita a los pocos meses de nacido.

• En 1960 comenzó a trabajar en la televisión, en la serie Playhouse 90, y a continuación en Perry Mason, Alfred Hitchcock presenta y La dimensión desconocida. A raíz de ello, su padre le llegó a decir: «¿Por qué no te buscas un trabajo de verdad?».

• En el año 1962 Redford consiguió su primer papel en un largometraje de cine, War Hunt, de Denis Sanders.

• En sus cuatro primeras películas hizo papeles secundarios y no le proporcionaron un éxito digno de mención. Estas películas fueron “La rebelde” (protagonizada por Natalie Wood), “La jauría humana de Arthur Penn”, “Situación desesperada” y “Propiedad condenada”.

• En 1966 Redford se trasladó a España para comenzar una vida bohemia. Pero en ese mismo año le ofrecieron un papel como protagonista en la versión cinematográfica de “Descalzos por el parque", junto a Jane Fonda, que fue un gran éxito.

• En 1980 se inicia como director con “Gente corriente”, que obtuvo muy buenas críticas y éxito de taquilla, y que le supuso el Óscar al mejor director.

• Redford creó en 1980 un centro de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en sus terrenos de Utah. Llevó adelante esta empresa a pesar de no encontrar apoyos. Su instituto subvenciona a nuevas promesas con todos los gastos pagados durante 4 semanas, proporciona profesores, material técnico y el asesoramiento de grandes profesionales.

• Viendo la calidad de los trabajos decidió crear un festival de cine paralelo para exponer los trabajos de los estudiantes que hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo: el Festival de Cine de Sundance, que se celebra todos los eneros desde 1983 en Park City, Utah. Es curioso porque el nombre de la escuela y el festival viene de la película que protagonizó en 1969 con Paul Newman: Dos hombres y un destino, en la que él se llamaba The Sundance Kid.

• Para la elección presidencial de 1976, Redford preparó al Presidente Carter para el debate presidencial, obteniendo óptimos resultados, ya que Carter ganó el debate. Jimmy Carter obtuvo en la elección un 50.1% contra un 48% de Ford.

Este 16 de agosto se cumplen 34 años de la muerte del rey del rock, Elvis Presley.

Añadir leyenda

Elvis Presley cumple otro año de fallecido y sus fans no se olvidan de él. Desde este lunes en las puertas de Graceland muchas personas se postraron para poner fotos, correos y los recuerdos que ellos tienen de uno de los cantantes más grandes de la música en el mundo y que si hoy estuviera vivo tendría 76 años. 

Escucha y rememora los éxitos de Elvis Presley solo en Sonora

Elvis Presley nació en Mississippi en 1935. A los 20 años, publicó su primer álbum musical, inspirado por el pop, el gospel, el R&B negro y la música country. Su estilo único, su carisma y su voz grave y sensual lo catapultaron al éxito de inmediato. A nivel mundial, vendió miles de millones de copias.

Pero no sólo se dedicó a la música. También participó en más de 33 películas y en series de televisión, junto con espectáculos en vivo transmitidos a miles de televidentes.

El rey del rock murió a los 42 años en 1977 en Graceland por los efectos del abuso de drogas, aunque hay misticismo con respecto a su muerte. Algunas personas aseguran haber visto al cantante comprar un pasaje de avión con destino a Argentina luego del anuncio de su fallecimiento.

La teoría conspirativa más fuerte afirma que Elvis brindaba información al FBI sobre las prácticas ilegales de otros artistas, lo que le trajo problemas y prefirió fingir una sobredosis para mantenerse a salvo.

“La Caverna” de los Beatles

Los Beatles tocaron por primera vez, el martes 21 de marzo de 1961 en La Caverna (The Cavern), - que era un pequeño bar en donde fueron a tocar casi 300 veces más- y donde se presentaron por última vez el 3 de agosto de 1963.

Junto a un viejo almacén, La Caverna era un lugar muy caluroso y no era un espacio muy apropiado para los show musicales. La historia relata que éste sótano empezó siendo un rincón de jazz y luego comenzó a ser sitio para el rock and roll con la finalidad de atraer a los jóvenes obreros de los alrededores.

Este es hoy en día, un lugar obligado para los fanáticos en su recorrido por Liverpool y forma parte de los circuitos turísticos. Una vez dentro se encontrará con gran cantidad de graffitis, afiches, pinturas, firmas, nombres y enormes fotografías que les la bienvenida en este espacio, dedicado plenamente a los cuatro famosos músicos de Liverpool.

Todos los fines de semana hay música en vivo en donde los grupos tocan en un escenario réplica del que había en La Caverna con John, Ringo, Paul y George. Sin duda que es ya todo un lugar emblemático para perennizar el nombre y la historia de Los Beatles y su revolucionaria trayectoria musical de todos los tiempos.

El club se cerró en marzo de 1973 para las obras de construcción de un ferrocarril subterráneo, pero fue reabierto totalmente renovado en 1978 tratando de mantener el aspecto original. Y fue el 14 de diciembre de 1999, cuando el ex Beatle, Paul McCartney regresó al Cavern Club para su último concierto como publicidad de su álbum “Run Devil Run”.

Alan Sytner inauguró el famoso club tomando como inspiración el popular del distrito de Jazz de Paris, el cual albergaba una gran cantidades de clubes ubicados en sótanos, particularmente por su muy buena acústica, y, por qué no, en una especie de alegoría al circuito underground o subterráneo musical que comenzaba a asomar como una fuerza pujante e irrefrenable.

Tras una estadía en Francia, Sytner regresó a Liverpool y deseoso de abrir un lugar similar al Le Caveau parisino, eventualmente encontró un sótano perfecto para el mismo, uno que había sido utilizado como refugio de bombas durante la segunda guerra mundial.

Si bien comenzó como un club de jazz, eventualmente se transformó y en un lugar de encuentro para jóvenes. Sytner terminó vendiendo The Cavern Club a Ray McFall en 1959, tras mudarse a Londres. Las bandas de blues y los grupos beat comenzaron a presentarse regularmente en el club a comienzos de los ‘60. La primer noche beat fue el 25 de mayo de 1960, con la actuación del grupo Rory Storm and the Hurricanes (el cual incluía a Ringo Starr en la batería). A comienzos de 1961, Bob Wooler se transformó en el organizador de las sesiones.

El lugar tomó fama mundial con los Beatles, siendo el martes 21 de marzo de 1961 el día que la banda hizo su primer aparición en el club. El grupo había regresado a Liverpool desde Hamburgo, Alemania, donde habían estado tocando en el Indra y el Kaiserkeller por más de ocho horas cada noche. Su show sobre el escenario había atravesado una gran cantidad de cambios, y algunos integrantes de la audiencia pensaron que estaban viendo una banda alemana.

De 1961 a 1962, los Beatles hicieron 292 shows en el club. Durante 1963, The Hollies tomaron la posta de los Beatles en el Cavern Club. La legendaria banda de Liverpool ya había alcanzado su techo en el club, y había firmado con el productor George Martin para el sello Parlophone, de EMI. La cantidad de actividad musical en Liverpool y Manchester motivó que los productores discográficos, que nunca se habían aventurado mucho más allá de Londres, comenzaran a mirar hacia el norte.

En la década siguiente, una gran variedad de bandas populares se presentó en el club, incluyendo The Rolling Stones, The Yardbirds, The Kinks, Elton John, The Who y John Lee Hooker. La futura estrella Cilla Black trabajó en el vestidor de The Cavern en los días previos a alcanzar la fama.

Un estudio de grabación, Cavern Sound, fue abierto en el sótano de un edificio adjunto, manejado por Nigel Greenberg y Peter Hepworth.

En abril de 1984, el club fue adquirido por el jugador de fútbol del Liverpool F.C., Tommy Smith, en sociedad con Royal Life. Fue reconstruido con muchos de los ladrillos que habían sido utilizados en la construcción original. El nuevo club ocupa el 75% del lugar original. El nuevo diseño se ajustó al original todo lo que fue posible.

Esto fue durante un período de cambios económicos y políticos masivos en Liverpool, y el club sólo sobrevivió hasta 1989, cuando atravesó una dura situación financiera y cerró sus puertas por 18 meses.

En 1991, dos amigos, el profesor de escuela Bill Heckle y el taxista de Liverpool Dave Jones, reabrieron el club. Aún hoy en día administran el club, y a pesar de ser un punto turístico mundialmente famoso, el mismo continúa funcionando principalmente como un centro de música en vivo, si bien cuenta con un DJ en las noches de viernes y sábado. La política musical va desde los ‘60, ‘70, ‘80 y ‘90 al pop clásico, indie, rock y temas de los ranking actuales.

El Cavern Club sigue siendo uno de los más famosos recintos del Reino Unido. En él se presentan cerca de 40 bandas en vivo cada semana, tanto como de tributo como originales, si bien la mayoría toca su propio material.

Entre el 13 de noviembre de 2005 y el 2 de septiembre de 2007, The Cavern fue sede del Festival de Sonidos de los Sesenta, el cual, cada domingo, presentaba cinco bandas en vivo en la primer sala del lugar. El Festival comenzó con la presentación de la estrella de los ‘60 Kingsize Taylor, su mujer Marga Taylor y su amigo Wes Paul.

Además de producir diversos conciertos de gran importancia, The Cavern también presentó un impresionante Festival del ’77, con actuaciones que incluían a The Undertakers, The Mojos, Kingsize Taylor & The Dominoes y otros.

El lugar actualmente opera como un sitio en el cual se paga por tocar, en el cual las bandas pierden un depósito abonado con anterioridad si no alcanzan una cantidad de espectadores de su show, la cual ha sido previamente pactada.

The Cavern también es usado como un precalentamiento para giras, con conciertos semi-secretos anunciados a último momento. Esto los han hecho bandas como Los Arctic Monkeys, Travis, Oasis entre otros.
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=90Li7n56uU8

Cosas curiosas que no sabías sobre The Edge

David Howell Evans, más conocido como The Edge, es el guitarrista, teclista y corista de la banda irlandesa de rock U2.

Su destreza para tocar la guitarra, junto con su estilo musical apoyado en sonidos digitales, han sido claves para definir el sonido de U2 a través de su carrera. En el año 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el 24º puesto de su listado de Los 100 mejores guitarristas de la historia.

Además de U2, The Edge también ha grabado con artistas como: Johnny Cash, B. B. King, Tina Turner, y Ron Wood. Trabajó junto con Brian Eno, Daniel Lanois y su colaborador Michael Brook en la película Captive de 1986. Creó también la canción de la serie animada de televisión The Batman.

The Edge nació un 8 de agosto de 1961, Barking, Inglaterra, para conmemorar sus 50 años te traemos algunos datos de este gran músico que quizás no conocías:

• La primera vez que tomó una guitarra en sus manos fue a la edad de 9 años

• Actualmente tiene una modesta colección de apróximandamente 32 guitarras.

• Su primera aparición en solitario fue en los MTV Music Awards, donde tocó el tema Numb en frente de una mini pantalla Zoo-TV. No se memorizo la letra hasta que lo obligaron a hacerlo en el vuelo hacia los MTV Awards

• Se rumora que canciones como “Love is blindness”, “Who's gonna ride your wild horses” y “So Cruel” del disco “Achtung baby” fueron influenciadas por la separación con su esposa Aislinn.

• Los equipos que The Edge usa son Gibson Les Paul Customs, Fender Stratocasters, Gibson Explorer, Vox AC30 amplifiers, Randall combos, AMS digital delay.

• Durante el PopMart tour, Edge cantó diferentes canciones estilo karaoke, incluyendo “Daydream Believer”, “Sweet Caroline”, “New York New York”, “San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)” y “It's Not Unusual”.

• Fue The Edge, no Adam, quien toco el bajo en el tema "40"

• En el video de “New Year's day” the Edge no es el que monta el caballo...es un doble femenino.

• Durante los últimos años The Edge se ha aficionado mucho a llevar su gorro negro, y no se lo quita bajo ninguna circunstancia. Durante la rueda de prensa en noviembre del 2000, al preguntarle "qué escondía bajo su gorro", él respondió: "Un gran cerebro".

A continuación te dejamos un compilado con algunos de sus mejores solos… ¿cuál es tu favorito?
http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=JBXHoTLpYMA

Video Retro: recordando al recientemente desaparecido Jani Lane

Durante la noche de este jueves 11 de agosto fue encontrado en un motel Confort Inn de Woodland Hills, en un suburbio de Los Ángeles en el valle de San Fernando, el cuerpo sin vida de Jani Lane, ex cantante de la banda de rock de finales de los 80s, Warrant.

Lane de 47 años, cuyo verdadero nombre era John Kennedy Oswald, fue el líder vocalista de la banda responsable de éxitos como "Heaven," "Down Boys" y "Cherry Pie". Los dos primeros álbumes del grupo fueron "Dirty Rotten Filthy Stinking Rich" (1989) y "Cherry Pie" (1990), cada uno de los cuales vendió más de dos millones de copias.

Tuvo una relación intermitente con el grupo, al que dejó en 1992 antes de regresar y renunciar varias veces, la última de ellas en el 2008.

Sus problemas con la bebida nunca fueron un secreto. En los últimos años, había sido detenido dos veces por conducir ebrio y había pasado algún tiempo tras las rejas.

El cantante, casado tres veces y padre de cuatro hijos, también había participado en el reality show "Celebrity Fit Club" del canal VH1 en 2005.

La policía aún investiga las causas de su muerte.

Para recordar a Jani Lane Show Arte te trae este Video Retro:

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=OjyZKfdwlng

Cápsula Cultural para no meter la pata: ¿Quién fue Hermann Hesse?

Hermann Hesse fue un novelista, escritor, pintor y poeta alemán, nacionalizado suizo, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1946 y convertido en figura de culto.

Hijo de un pastor protestante, Hesse nació el 2 de julio de 1877, en Calw (Selva Negra), Baden-Wurtemberg, Alemania, donde pasó su infancia y los primeros años escolares, hasta 1889.

En 1891 ingresó en el seminario de Maulbronn, que abandonó al año siguiente, dejando constar siempre su rechazo a la educación formal. En 1892, con quince años, Hesse intenta suicidarse, quedando tras esto a cargo de un teólogo y pasando posteriormente por una institución de salud mental.

Completó sus estudios básicos en 1893 y comenzó a trabajar en diversos oficios, primero como mecánico y luego en una librería de Tubingen, especializada en teología, filología y leyes. En 1903 viajó a Italia y en 1911 a la India.

Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Hermann Hesse, de convicciones profundamente pacifistas, se trasladó a Montagnola (Suiza), país donde obtendría la ciudadanía años después, en 1921. Sus opiniones en contra del nazismo le valieron su inclusión en la lista negra nazi en 1943.

En 1946 obtuvo el premio Nobel de Literatura. La obra de Hermann Hesse es en gran parte confesión de su interior, el intento de superar sus crisis personales. Intenta armonizar los valores éticos y estéticos, la sabiduría del Oriente y la del Occidente, con un lenguaje sencillo, fluido y musical y gran capacidad de expresar los más diversos matices del sentimiento.

Desde su muerte, el 9 de agosto de 1962 en Montagnola, Tesino, Suiza, su influencia creció de una manera incomparable en el mundo.

Sus obras más destacadas son:

• Demian (1919)
• Peter Camenzind (1904)
• Siddhartha (1922)
• El lobo estepario (1927)
• Narciso y Goldmundo (1930)
• El juego de los abalorios (1943)

Estas son algunas de sus mejores frases:

“La vida de cada hombre es un camino hacia sí mismo, el intento de un camino, el esbozo de un sendero”.

“Cuando odiamos a alguien, odiamos en su imagen algo que está dentro de nosotros”.

“Cuando se teme a alguien es porque a ese alguien le hemos concedido poder sobre nosotros”.

“Hay quienes se consideran perfectos, pero es sólo porque exigen menos de sí mismos”.

“La belleza no hace feliz al que la posee, sino a quien puede amarla y adorarla”.

“La divinidad está en ti, no en conceptos o en libros”.

“La felicidad es amor, no otra cosa. El que sabe amar es feliz”.

“La práctica debería ser producto de la reflexión, no al contrario”.

“Lo blando es más fuerte que lo duro; el agua es más fuerte que la roca, el amor es más fuerte que la violencia”.

“No reniego del patriotismo, pero primeramente soy un ser humano, y cuando ambas cosas son incompatibles, siempre le doy la razón al ser humano”.

“Todos llevan consigo, hasta el fin, viscosidades y cáscaras de huevo de un mundo primordial”.

“Hacer versos malos depara más felicidad que leer los versos más bellos”.

Lo mejor de Jostein Gaarder, el padre de “El Mundo de Sofía”

Jostein Gaarder es un escritor y profesor de filosofía e historia noruego, autor de novelas, historias cortas y libros para niños, especialmente famoso por su obra sobre la historia de la filosofía, "El mundo de Sofía".
Jostein Gaarder nació el 8 de agosto de 1952en Oslo, Noruega, en una familia íntimamente relacionada con el saber y la enseñanza, siendo su madre profesora y escritora de libros infantiles y su padre director de un colegio.

Estudió filología escandinava, Historia de las ideas e Historia de la religión en la Universidad de Oslo. En 1978 comienza a trabajar como profesor de filosofía y literatura en un instituto de Bergen, cargo que desempeña durante diez años. Paralelamente escribe libros para niños, publicando su primer libro en 1986, siendo la única colección de relatos de Jostein Gaarder.

En 1990 recibió el Premio de la Crítica y el Premio Literario del Ministerio de Cultura noruegos por su novela "El misterio del solitario" (1990). Pero es "El mundo de Sofía" (1994), la obra que convierte a Jostein Gaarder en uno de los autores de mayor éxito en todo el mundo.

En 1991 fue distinguido con el Premio Europeo de Literatura Juvenil. La originalidad de la obra de Jostein Gaarder consiste en abordar temas filosóficos y existenciales para niños y jóvenes mediante la combinación de ficción y datos de la realidad.

A través de los personajes de sus obras, Gaarder reflexiona sobre temas filosóficos, religiosos y humanos. En 1997, Jostein Gaarder y su esposa Siri Dannevig crean la Fundación Sofía como inspiración para trabajar por un futuro sostenible, la cual entrega uno de los más generosos premios para el medio ambiente y el desarrollo.

Estas son algunas de sus obras más destacadas:

• El mundo de Sofía (1991)
• El palacio de la rana (1988)
• El misterio del solitario (1990)
• El enigma y el espejo (1993)
• La biblioteca mágica de Bibbi Bokken (2001)
• Jaque Mate (2006)

Y estas sus mejores frases:

• “Recorrer una parte del camino no significa equivocarse de camino”.

• “Leer es amoblar tu propio departamento interior”.

• “Actuar responsablemente no equivale a agudizar la razón, sino a agudizar los sentimientos”.

• “Las fronteras de lo improbable ya han sido cruzadas simplemente por el hecho de que el mundo existe”.

• “El ser humano no vive sólo de pan. Necesitamos amor y cuidados, y encontrar una respuesta a quienes somos y por qué vivimos”.

• “La figura histórica de Jesús es un completo misterio y es la figura histórica más fascinante para mí”.

• “Ni siquiera nos enseñan a plantearnos esas preguntas”.

• “Más allá de toda división política, cultural e histórica, el cuento proporciona a la humanidad en su conjunto una "lengua materna" común”.

• “Uno no puede asegurarse contra el derrumbamiento de su existencia”.

• “Cuanto más evidente resulte algo al pensamiento, tanto más segura es su existencia”.

• “Un cuento siempre adquiere los colores que le otorgan el narrador, el ámbito en que se cuenta y el receptor”.

• “La mejor manera de conocer a una persona bien podría ser pedirle que nos cuente su historia de vida; al menos, sería un buen comienzo”.

La cerveza negra tiene más hierro que la rubia

Las cervezas negras contienen una cantidad media de hierro libre de 121 ppb (partes por billion) frente a los 92 ppb de las rubias y los 63 ppb de las sin alcohol, según un análisis sobre 40 tipos de cerveza de los cinco continentes realizado por investigadores de la Universidad de Valladolid (UVA).

“Aunque se trata de cantidades muy pequeñas, las variaciones son claras, y podrían ser resultado de los procesos de producción o de la materia prima que se utiliza durante la fabricación”, explica en declaraciones a Agencia SINC Carlos Blanco, profesor del Área de Tecnología de los Alimentos en la UVA y coautor del trabajo.

El estudio, que publica la revista Journal of the Science of Food and Agriculture, señala que los extractos de malta y lúpulo que se emplean de forma específica en la fabricación de la cerveza negra podrían explicar sus niveles más altos en hierro. Sin embargo, en la producción de la cerveza rubia se realiza un filtrado con ‘tierra de diatomeas’ (roca sedimentaria con microalgas utilizada para aclarar la bebida), un material poroso que atrapa al metal y reduce sus concentraciones. En el caso de las cervezas sin alcohol se aplican procesos de evaporación al vacío para quitar el alcohol. Esta operación también favorece la eliminación de los iones de hierro por el arrastre que ejercen las moléculas volátiles.

Para realizar el trabajo se han analizado 17 marcas de cerveza fabricadas en España y 23 de otros países. En concreto 28 rubias, seis negras y otras tantas sin alcohol. Las que contenían mayor cantidad de hierro han sido una cerveza negra española (165 ppb) y otra mexicana (130 ppb), y las que menos, dos sin alcohol procedentes de Holanda e Irlanda (41 y 47 ppb respectivamente).

La determinación del hierro y otros metales en la cerveza es relevante no solo por ser elementos esenciales para el cuerpo humano, también por su implicación en la elaboración de la bebida. Las concentraciones de metales pueden determinar sus características organolépticas, estabilidad y calidad.